El término en inglés, “Blocking”, se refiere al movimiento determinado de los actores y las cámaras en la escena. Forma parte de lo que se llama puesta en escena y es una de las tareas principales del director durante el rodaje. Pero ¿cómo haces el Blocking de una escena improvisada?
Al diseñar la puesta en escena tradicional de una película, el director podría ensayar con sus actores lo que se llama Blocking por su término en inglés o se le puede conocer como Didascalia en la terminología teatral. Utilizaremos Blocking para utilizar el término más conocido en el cine.
Cuando se hace el Blocking entonces, el director determina exactamente cuales son los movimientos de los actores en la escena, en que momento del guión debe sentarse, pararse, salir, etc., todo esto luego puesto en relación a la posición de cámara. Los actores deberían entonces ejecutar los movimientos establecidos en los momentos específicos, ya que de esto dependerá también el foco de la cámara, el valor de plano y movimiento que estará perfectamente coreografiado.
El Blocking es sumamente importante, porque es la herramienta que tiene el director para pre-diseñar su puesta en escena y definir cuales son los valores de plano o acciones que van a transmitir una emoción o información específica.
Los directores más experimentados tienen muchas más herramientas para hacer Blocking que los directores novatos. Simplemente porque conocen mejor el espacio escénico y la interacción con la cámara, los tipos de lentes y tienen más experiencia en cuanto a qué emociones transmitir con determinados movimientos o valores de plano.
Por eso, estos primeros proyectos, puedes utilizar la improvisación como una herramienta para aprender de tus actores y tus camarografos. Cuales son los movimientos y formas de capturarlos en cámara que mejor funcionan para transmitir emociones o información de tu historia. Y puedes desarrollar técnicas que puedes utilizar para influir en la forma en la que tus actores se desplazan en relación con tus cámaras.
Entonces, si estamos utilizando la improvisación actoral como premisa de puesta en escena en nuestro proyecto, no podemos bloquear la escena tradicionalmente y determinar los movimientos de los actores o las cámaras de antemano, precisamente porque la idea es que los actores improvisen, no so solo los diálogos, sino las acciones, por lo que la puesta en escena es un poco más complicada, pero mucho más libre.
En estos casos la interacción entre los actores, las cámaras (y todo el equipo técnico) tiene que estar cuidadosamente interconectada y constantemente adaptada y orquestada por el director. Por lo tanto los camarografos y eventualmente el sonidista tienen que estar tan abiertos a la improvisación como los mismos actores para reaccionar oportunamente y estéticamente a lo que está pasando en la escena.
Es muy importante que los actores y cámaras están íntimamente conectados, que los actores esten conscientes de la posición de la cámara en todo momento y que los camarografos estén conscientes de lo que está pasando en la escena y predecir lo que va a pasar de un segundo a otro para reaccionar.
De igual forma el director pudiera estar orquestando todo desde atrás, moviendo a sus camarografos, dando direcciones “en vivo”, coordinando los elementos en el mismo momento que pasa e incluso provocando acciones o reacciones para predeterminar los movimientos de sus actores.
El director tiene que estar sumamente concentrado e involucrado en la evolución de la escena para poder orquestar esta coreografía. Es bastante agotador, sobre todo si una escena se extiende por mucho tiempo debido a la improvisación, pero es sumamente orgánico y los resultados pueden ser sorprendentes.
Sin embargo, para tener algunos puntos de enfoque y que no todo sea un caos, puedes darles un par de indicaciones a tus actores antes de comenzar la improvisación.
Así podrás definir “zonas” en las que se pueden mover y otras zonas prohibidas. Así por lo menos limitará el área en el que los actores se desplazarán y tus cámaras se puedan colocar.
También, dependiendo del contenido de la escena puedes establecer una especie de ruta. Y aunque los actores improvisen la escena haya un punto de partida A y un punto de llegada B que los actores tendrán que respetar, a pesar de que la trayectoria no esté definida, pero estaria reglamentada por las “zonas” seguras de movimiento.
También puedes establecer puntos o beats dentro de tu escena y acordar que cuando el actor sienta la cámara cerca de su rostro o cualquier otro evento que pudieran provocar tu mismo, el actor debe moverse a un punto determinado o es la señal en la cual un momento específico de la escena tiene que ser alcanzado o un “secreto” del personaje tiene que ser revelado para que su contraparte tenga algun tipo de reacción que las cámaras estarán esperando.
Es por esta razón que para este tipo de proyecto, es sumamente importante intentar desligarse de todo aparato o equipo técnico que pueda interrumpir o complicar el movimiento de los actores o las cámaras. Es por eso que intentaremos utilizar la luz natural o disponible de la locación, no utilizaremos dollys, grúas, sliders o cualquier otro dispositivo que requiera de un blocking riguroso o que impida a los actores moverse libremente disminuyendo las zonas libres para su improvisación.
Recordemos, que estas improvisaciones no podrán ser repetidas, por lo general tendrás una sola toma disponible o una sola oportunidad de captar genuinamente la escena improvisada. Por lo que si un actor se tropieza con algún equipo o se mueve a un lugar en donde las cámaras no podrán tomarlo sin que se vea el aparataje de las luces u otro dispositivo, arruinaras la toma y probablemente será imposible repetirla o por lo menos lograr la organicidad que te otorga la improvisación, además de perder valioso tiempo al tener que repetir la toma, cosa que es lo primero que tenemos que evitar a toda costa, ya que el tiempo es lo que te permitirá realizar tu proyecto con la menor cantidad de dinero posible.
Por supuesto siempre habrá accidentes o los actores se bloqueen dentro de la improvisación. Pero en lugar de intentar repetir la escena completamente, intenta diseñar la toma como una escena completamente nueva con una improvisación completamente fresca y orgánica.
De esta manera tu película tendrá una calidad actoral incomparable con películas definidas por un guión y puesta en escena fija y podrá ser lo que la diferencie y la destaque de proyectos tradicionales que cuentan con presupuestos mucho más grandes.
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Nos vemos en el próximo post y sigue sonando a 24 cuadros por segundo.